lunes, 1 de febrero de 2010
LOCALAD --SIGUIENDO EL RASTRO DE PINTURA POR LA PUBLICIDAD--
De espíritu inconformista y creativo, la firma española de moda urbana Desigual utiliza como arma de reclamo publicitario la explosión del color y la forma, con toda la espontaneidad posible y frescura de acuerdo con los valores de la marca que busca captar a un público que sea divertido, fresco, auténtico, rebelde y sobre todo, con mucho sentido del humor.
Es uno de los ejemplos con mayor difusión publicitaria del uso del expresionismo abstracto en sus campañas e imagen corporativa con la que han forjado una identidad propia conocida y reconocida nacionalmente e internacionalmente.
Es uno de los ejemplos con mayor difusión publicitaria del uso del expresionismo abstracto en sus campañas e imagen corporativa con la que han forjado una identidad propia conocida y reconocida nacionalmente e internacionalmente.
Pero veamos a continuación como han hecho uso de este estilo artístico para construir la marca de moda.
CAMPAÑA PRIMAVERA-VERANO 2009
LOGO
El logo en la home es un despliegue constante de pintura y colorido
Publicidad en tiendas del Corte Inglés
Podemos observar como el enfoque de las campañas gráficas está en absoluta coherencia con el origen psicológico del estilo artístico. La desinhibición y expresión de los sentimientos.
Ya sea una campaña para el territorio nacional o para el internacional, observamos que sigue la misma línea en sus campañas …
La Cámara de Comercio de España en Hong Kong presenta la marca de ropa Española Desigual. Desigual te invita a visitar su tienda en el segundo piso de Seibu, Langham Place para conocer su nueva colección AW08. Presenta el siguiente folleto y disfruta hasta el 30 de noviembre de tu 15 % de descuento en su nueva colección FW08.
La Cámara de Comercio de España en Hong Kong presenta la marca de ropa Española Desigual. Desigual te invita a visitar su tienda en el segundo piso de Seibu, Langham Place para conocer su nueva colección AW08. Presenta el siguiente folleto y disfruta hasta el 30 de noviembre de tu 15 % de descuento en su nueva colección FW08.
Paseando por New York … y es que el take away siempre fue la mejor publicidad americana.
En la tarjeta amigo:
Y como no…
Un nuevo concepto de tienda:
Este nuevo espacio está lleno de sensaciones diferentes, donde comprar se convierte en un acto agradable lleno de experiencias visuales, musicales, lúdicas… En definitiva toda una experiencia de compra que busca la complicidad de los clientes.
Para la iluminación interior, se ha buscado una luz especialmente concentrada sobre el producto para resaltarlo, a través de un contraste con sombras. Para conseguir este efecto, se han instalado las luminarias Arc con haces de luz muy concentrados.
En cuanto la iluminación exterior, se han utilizado Uplights empotrables de suelo para iluminar la fachada del edificio con elementos antideslumbrantes que protejan de la contaminación lumínica.
Y que gustazo visitar la ciudad de una forma libre, divertida y fresca pudiendo disfrutar de la brisa mediterránea con un bicitaxi a juego con nuestro espítitu.
Trixi.com, conocida por los simpáticos bicitaxis (Trixis) que circulan por Barcelona, es una empresa con tiendas en Barcelona y Madrid que desde hace 10 años ofrece servicios “sobre ruedas”
Sin duda, DESIGUAL es un gran ejemplo
de una excelente estrategia de marca.
de una excelente estrategia de marca.
Otra marca española de moda, bien reconocida en las mejores pasarelas internacionales La firma española, Custo Barcelona, consiguió el Kore a la creatividad en el año 2003, el equivalente al Oscar de la moda,
concedido por Italia por la RAI.
Diseños que marcaron una gran conmoción en el mercado americano, cuna del expresionismo abstracto y fuente de inspiración de los diseñadores de la marca, tanto en sus diseños como en su publicidad donde la mezcla de colores, la frescura, la desinhibición, el atrevimiento, y sobre todo, la originalidad y exclusividad la hace única en el mercado.
Veamos a continuación ejemplos del estilo artístico en la marca de moda.
El diseño de la home nos muestra el uso del color, el caos y la libertad en la composición como signo de identidad.
En marquesinas, además de las características mencionadas anteriormente también vemos salpicaduras típicas del “action painting” que transmite
espontaneidad.
La última iniciativa de la marca Vueling:
Vueling by MTV, una iniciativa con aviones
Vueling by MTV, una iniciativa con aviones
"vestidos" por Custo Barcelona.
El proyecto despegó y podrá apreciarse en los cielos de Francia, Italia y Portugal que oficiarán de pasarelas. Innovación, originalidad, diseño, concursos, música, festivales y mucho más, todo destinado a un público moderno.
A continuación, vemos un ejemplo de campaña de publicidad de los últimos años que podríamos ubicar con los inicios del expresionismo abstracto cuando el collage y el desfigurismo empezaba a despuntar entre los grandes maestros del arte y la expresión libre se hacía un hueco entre los nuevos artistas de las vanguardias del siglo XX.
IV centenario del Quijote en Castilla
la mancha 2005
Premiada en cuatro ocasiones.
la mancha 2005
Premiada en cuatro ocasiones.
OTROS EJEMPLOS
ESPECTACULARIDAD
ALL BLACKS PARA ADIDAS
¿CÓMO LO HICIERON?
¿Pintando a un jugador de rugby
y haciendo que plaque contra un poster en blanco?
Sí!!!
Nada es imposible!
Otros ejemplos
Incluso los diseñadores menos globales utilizan esta inlfuencia para desarrollar su comunicación.
Aunque priman los ejemplos más espectaculares , donde las marcas que estan por detrás de la acción tienen un gran prsupuesto, y un gran quipo creativo...
¿qué es lo que se ve en la siguiente imagen?
¿un cuadro de Pollok, de un niño hiperactivo con un compás?
No, es un genial campaña de lanzamiento de un coche!
video 1:pulsa aquí
video 2:pulsa aquí
video 3: pulsa aquí
para ver todas las imagenes: pulsa aquí
jueves, 28 de enero de 2010
Cine Abstracto
CINE ABSTRACTO
El cine abstracto es un subgénero del cine experimental, consistente en una oposición al cine convencional al representar solo la noción o una relación a una representación completa. Lo anterior puede aplicarse en cualquier campo, en los guiones de los personajes, en las características del reparto o incluso en los objetos a utilizarse dentro de un filme; sin embargo muchos casos de abstracción en el cine se han vuelto comunes en el cine regular. La abstracción se ha convertido en un hecho común en cualquier filme aunque con el tiempo había caído en desuso la producción de películas netamente abstractas, para principio de la década de 1990 resurgió una nueva ola de filmes abstractos sustentándose en el cine experimental que le ha dado un nuevo desarrollo. El cine abstracto comenzó a existir casi al tiempo del cine común. Algunas de las primeras imágenes en movimiento abstracto que han sobrevivido son las producidas por un grupo de artistas alemanes que trabajarían en los primeros años de la década de 1920, este movimiento se denominaría como cine absoluto. Personas como Walter Ruttmann, Hans Richter (artista), Viking Eggeling y Oskar Fischinger presentarían diferentes enfoques de la abstracción en movimiento: como una analógica a la música, o como la creación de un lenguaje absoluto de la forma, un deseo común a principios del arte abstracto. Ruttmann escribió de su trabajo cinematográfico como "pintura en el tiempo." Más adelante entre se destacarían artistas como Robert Wiene, Fernand Léger y Dudley Murphy (considerados como algunos de los pioneros del cine experimental ), Abel Gance, Orson Welles entre muchos más. Existe toda una tradición de cine abstracto con la que habitualmente identificamos el cine experimental. Comprende mayormente los trabajos de Walter Ruttmann, Viking Eggeling, Oskar Fischinger, Len Lye, Harry Smith, los hermanos Whitney, Jordan Belson, Chris Larkee y Bärbel Neubauer, entre muchos otros. Pero de todos quizás el más conocido es el trabajo de Norman McLaren. A menudo las abstracciones en el cine buscan cambiar una forma para variar el sentido, aunque llegaran a mostrarse imágenes sin ningún significado obvio en escena, serían estas las que nos llegarían a dar alguna sensación o representación con algún valor.
Para lograr cualquier tipo de cambio de configuración pueden usarse cambios de iluminación, deformación de escenas u objetos, simbolismos y más recientemente efectos por computadora. En el cine normal, los casos que más comúnmente se plasman son las imágenes con un significado figurativo o simbólico, las transiciones entre imágenes que hacen que sepamos el momento en que una escena ejemplifica una regresión, un sueño, la imaginación o la muerte. Algunas de las prácticas recurrentes en el cine abstracto son las siguientes, no existe una lista del todo correcta ya que cada día se puede innovar en el campo de los filmes abstractos:
• Deformación del Objeto o el Espacio: Se toma algún cuerpo que puede ser transformado en tamaño y forma, dependiendo del cambio podríamos encontrarnos con una alusión a la pobreza (si el objeto empeora), a la jerarquía social (dependiendo del tamaño del objeto) o algunas otras formas. Es útil recalcar que para que haya un punto de comparación entre cada deformación debería de utilizarse el mismo recurso en varias ocasiones a lo largo del filme. También suele utilizarse una deformación del espacio aunque es un caso usado en menor proporción.
• Aislamiento del Objeto: Por este medio se llega a convertir a cualquier cuerpo en el objetivo visible inmediato. Es decir, llevando a cabo una separación que podría ser cambio en la iluminación, se podría enfocar algún ente que estuviese dentro de un escenario, el cual ya no tendría valor porque ahora lo único visible seria aquel objeto iluminado. Aunque lo anterior puede tener significados muy distintos como tomar la parte como un todo, también puede utilizarse para acentuar alguna situación en especial.
• Trucos Ópticos: En este caso se pueden incluir todos los cambios repentinos o paulatinos de una imagen en pantalla. Es uno de los recursos más utilizados tanto por su facilidad (aumentada con el uso de la computadora), como tanto por su significado que puede tener una gama infinita de implicaciones.
• Dibujo en el filme: Este recurso implica el dibujo de formas sobre pantalla, puede tener a su vez especiales significados dependiendo sobre todo en el color de las figuras y en lo que el espectador "pudiera ver" de estas.
Escultura Abstracta
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor franco alemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura. Aunque la de hoy no tiene que envidiar, en abstracción, a la pintura, su evolución ha sido tributaria, al menos en su origen, del esfuerzo de los pintores que quisieron liberarse de la imitación y de los conceptos tradicionales de la forma. El estímulo del cubismo y del futurismo fue determinante, y artistas como Laurens, Archipenko, Lipchitz, Zadkine, Boccioni, y, más directamente, Duchamp-Villon, Brancusi y González, abrieron el camino que llevaría la escultura moderna a una creciente libertad frente al objeto. Además, viéronse acompañados, en su audaz empresa, por pintores que esculpieron: Picasso, Matisse, Braque, Léger y el mismo Max Ernst cuya intervención en la plástica fue audaz y convincente. Sin embargo, fue el relieve, con frecuencia polícromo (como si le costase apartarse de la pintura para desarrollar sus posibilidades), el que rompió todo nexo con el realismo y alcanzó de inmediato la abstracción. Al ruso Tatlin se debe, al parecer, el paso decisivo; desde 1913 ejecutó obras puramente geométricas con materiales diversos (madera, yeso, metal y cartón), que colgaba en la intersección de dos paredes. Otro ruso, Jean Pougny, que también fue pintor, procedió igual en 1915 con cartones coloreados. Así comenzó el movimiento, llamado después constructivismo, emparentado con el suprematismo de Malevich. Se unirían a él el alemán Kurt Schwitters, el húngaro Moholy-Nagy, el rumano Marcel Janco, y Hans Arp, aunque, en sus primeros relieves de madera, de 1916, éste mostrara preferencia por la curva sinuosa y flexible, a la que seria fiel en sus esculturas de mármol y bronce posteriores a 1930. Pero el constructivismo, surgido en Rusia halló sus maestros y teóricos allí, con Naum Gabo y su hermano Antoine Pevsner. Más tarde, en París, se unirían al grupo “Abstraction-creation”. Empleando cobre, plexiglás, cristal, alambre de latón o de plástico, renuncian a los planos angulosos y los substituyen por superficies curvas, formas abiertas, que desarrollan en un espacio identificado con la dimensión del tiempo. Las nociones de masa, volumen, peso, estabilidad, son abolidas en favor de texturas transparentes, vaciadas y de planos curvos, replegados que rompen o detienen la luz. En su intento por expresar, con lógica severa, el ritmo continuo del universo, ambos hermanos han hecho mucho por la escultura no figurativa. Puede considerarse también como «constructivistas» (en el sentido amplio del término) al belga Vantongerloo, al holandés Domela, al francés Gorin, al suizo Max Bill y al americano Calder, cuyos «móviles» y «estables» indican gran fantasía unida a rigurosos cálculos, y a sus compatriotas Harold Coussins, Richard Lippold, a los ingleses Bárbara Hepworth y Kenneth Martin, al danés Robert Jacobsen, al italiano Berto Lardera, al argentino Marino di Teana, al alemán Kricke, al español Chillida. Hay que añadir al húngaro Nicolás Schoffer, inventor del «espacio dinamismo», en París, síntesis animada de escultura, pintura y movimiento; así como al suizo Tinguely, que completa la forma en movimiento por la velocidad. Tan exigentes como los que más lo fueren, de los constructivistas, los franceses Louis Chauvin, Henri-Georges Adam y Émile Gilioli, el holandés Toon Kelder, el húngaro Béothy, el italiano Signori, el luxemburgués Wercollier, la franco chilena M. T. Pinto, se muestran afectos a la línea que fluye, a la forma específicamente plástica y a la perfección del trabajo. A estos artistas, de espíritu clásico, podría contraponerse el francés Étienne Martin, cuya necesidad de expresión procede de un temperamento áspero, sensual, generoso, mientras que el suizo Stahly somete el lirismo a una lúcida voluntad. A su romanticismo, otro francés, Jacques Zwoboda, une el sentido de lo monumental. Muestran preferencia por el bajorrelieve Étienne Hajdu en Francia, Karl Hartung en Alemania, Pietro Consagra en Italia y Zoltan Kemeny en Suiza (metal repujado o martilleado, superficie de yeso o de madera con contrastes de entrantes y salientes). Entre los escultores expresionistas cabe citar a los italianos Mastroianni, Crippa y Somaini, a los argentinos Pablo Manés y Alicia Penalba, al americano Seymour Lipton y al suizo Robert Muller. Una suerte de barroco exasperado caracteriza las obras del holandés Couzijn, del japonés Tajiri, de los americanos Theodor Roszal, Louise Nevelson, y, en la nueva generación, John Chamberlain y Richard Stanliewicz, que manipulan la chatarra, cual el marsellés César, el belga Rul d'Haese y muchos otros que se diría arrastrados por un furor de destrucción, natural o deliberada. Tal exceso de libertad determinó la reacción neorrealista en Europa y la del Pop-Art en América. Al parecer, de lo que más carecía la escultura no figurativa era de monumentalidad. La revolución arquitectónica de la segunda posguerra despertaría la emulación de arquitectos y escultores. En Brasilia, los monumentos edificados por Niemeyer, y la capilla de Ronchamp construida en Francia por Le Corbusier son esculturas a escala arquitectónica. Inversamente, la .señal erigida por H G. Adam ante el Museo del Havre, las Moradas de Étienne Martin, el mausoleo Zwoboda en el Campo Santo Mentana, cerca de Roma, las esculturas habitáculos de André Bloc, de Gérard Magnoni o de Constantino Nivola, las obras del americano-japonés Noguchi destinadas a jardines, indican claramente una evolución hacia la síntesis de las artes, como fenómeno esencial de nuestro tiempo.
Influencia en el Diseño
Si hay una pareja que realmente creó un punto de inflexión, en la historia del diseño, sin duda alguna, ésta fue el matrimonio Eames. Una verdadera revolución conceptual del diseño que se situó como referente en el siglo XX y que surgió de esta nueva ola de artistas abstractos de la llamada Escuela de Nueva York.
CHARLES Y RAY EAMES
Charles (1907-78) y Ray Eames (1912-88) dieron forma al siglo XX de Estados Unidos. Their lives and work represented the nation's defining movements: the West Coast's coming-of-age, the economy's shift from making goods to producing information, and the global expansion of American culture. Su vida y su obra representó la definición de los movimientos de la nación: el cambio de la economía de la fabricación de bienes a la producción de la información, y la expansión mundial de la cultura americana. The Eameses embraced the era's visionary concept of modern design as an agent of social change, elevating it to a national agenda. Los Eames abrazaron el concepto visionario de la era del diseño moderno como un agente de cambio social, elevándolo a un programa nacional. Su evolución fue, desde ser diseñadores de muebles a ser embajadores culturales demostrando su talento sin límites y la superposición de sus intereses con los de su país. En una época poco común de objetivos compartidos, los Eames se asociaron con el gobierno federal y las empresas más prestigiosas del país para dirigir el cambio y para modernizar los Estados Unidos de la posguerra. Charles Eames nació en St. Louis, Missouri, y creció en el corazón industrial de Estados Unidos. De joven trabajó para los ingenieros y los fabricantes, anticipando su interés permanente en la mecánica y el trabajo conjunto de cosas. Ray Kaiser, born in Sacramento, California, demonstrated her fascination with the abstract qualities of ordinary objects early on. Ray Kaiser, nació en Sacramento, California, demostró su fascinación por las cualidades abstractas de los objetos ordinarios desde el principio. She spent her formative years in the orbit of New York's modern art movements and participated in the first wave of American-born abstract artists. Pasó sus años de formación en la órbita de los movimientos de arte moderno de Nueva York y participó en la primera ola de artistas nacidos en Estados Unidos, los abstractos.
Mobiliario de Charles & Ray Eames
Percha Hang-it-All –diseño de Charles and Ray Eames – compuesto de una estructura de hilo de acero barnizado de color blanco y de esferas de madera laqueadas en 9 colores llamativos. La distancia entre las esferas es constante y por lo tanto la percha se puede ampliar a voluntad. A mediados de los años 40 los Eames empezaron a proyectar juguetes y mobiliario para los niños y Hang-it-all nació con el objetivo de llamar la atención de los pequeños y de hacer más fácil el uso de la percha. Esta pequeña obra maestra del diseño pop lógicamente no es destinada al dormitorio de los niños sino es adecuada para cada habitación tanto del hogar como del despacho.
http://s3.amazonaws.com/atimg/112611/01_scav_rect540.jpg
Aluminium Chair es uno de los diseños de Charles & Ray Eames, 1958, una de las piezas de mobiliario más significativos del siglo XX. El acolchado tapizado en half leather, se fija en los perfiles laterales de aluminio. Así, deja de ser una mera cubierta para convertirse en un elemento que sustenta la construcción.
http://img.alibaba.com/photo/100620187/Aluminum_Office_Chair_Inspired_By_Charles_Ray_Eames.jpg
Lounge Chair es el único modelo de los Eames que hace un guiño al mundo del lujo y de la opulencia. Representa, sobre todo, una aportación decisiva al diseño moderno de los años 50 que, liberado de las austeras geometrías de los años 20, avanza hacia formas esculpidas y orgánicas. Eames quería un sillón cómodo pero simple, en el que armazón y revestimiento se compenetrasen como dos manos entrelazadas. Esta es la explicación que dio a su mujer, a al menos es lo que se cuenta. El resultado responde a la intención: el sillón envuelve el cuerpo como un guante y lo deja hundirse dulcemente, tal como quería Eames. Ello no desdice de los aspectos innovadores en cuanto a materiales: contrachapado de palisandro curvado para los tres "armazones" de madera, aluminio fundido a presión (pintado en negro y con la parte superior abrillantada) para la base de cinco radios.
http://images.google.es/imgres?imgurl=http://img.alibaba.com/photo/11014542/Charles_Eames_Lounge_Chair_And_Ottoman.jpg&imgrefurl=http://www.alibaba.com/product/gdjinguan-11014542-0/Charles_Eames_Lounge_Chair_And_Ottoman.html&usg=__q6qjUhO0XVkrPHabdJe0og31bYM=&h=741&w=1200&sz=143&hl=es&start=1&um=1&tbnid=zPygzS7rgPLDKM:&tbnh=93&tbnw=150&prev=/images%3Fq%3Dlounge%2Bchair%26hl%3Des%26rls%3Dcom.microsoft:*%26sa%3DN%26um%3D1
La Chaise diseñaron La Chaise en 1948 para un concurso del Museo de Arte Moderno de Nueva York, inspirados en la escultura "Floating Figure" del escultor Gaston Lachaise. El poder de seducción de esta gran escultura radica en su increíble elegancia; además, permite múltiples posiciones sedentes y recostadas. Desde hace mucho tiempo, se considera un icono del diseño orgánico. La Chaise de Eames está producida por Vitra.
http://images.google.es/imgres?imgurl=http://www.vitraonline.net/media/Classics/La%2520Chaise%2520Miniature.jpg&imgrefurl=http://www.vitraonline.net/pages/classics.php&usg=__JEEg_0mByJ0ObLBBdSBHLLHdyaw=&h=1580&w=1484&sz=671&hl=es&start=1&um=1&tbnid=tZsx-EUf608rMM:&tbnh=150&tbnw=141&prev=/images%3Fq%3Dla%2Bchaise%26hl%3Des%26rls%3Dcom.microsoft:*%26sa%3DN%26um%3D1
Arquitectura Expresionista Urbana Actual II
HACIA LA ABSTRACCIÓN...
SANTIAGO CALATRAVA Dentro de panoramo español, uno de los practicantes del Neo Expresionismo es el arquitecto Santiago Calatrava, que prácticamente encarna el ideal Renacentista de arquitecto, ingeniero y artista a la vez. Su formación profesional es impecable: asistió a la escuela de Artes y Oficios de Valencia desde los ocho años, después de secundaria entró a la escuela de Bellas Artes de París, estudió arquitectura en Valencia, y obtuvo su doctorado en ingeniería en el instituto de Tecnología Federal de Suiza. Irónicamente, su mayor inspiración es Le Corbusier (anexo 12), en vez de sus predecesores expresionistas. Es famoso por sus conceptos orgánicos y aerodinámicos, muchas veces inspirados en sus estudios de la figura humana y sus propias esculturas. Santiago Calatrava Valls esta considerado como uno de los arquitectos de mayor renombre de las últimas décadas. Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva relacionada entre cada una de las partes que lo componen, por lo que se ha llegado a comparar su obra con la de Frank Lloyd Wright o Antoni Gaudi. Adquieren una gran importancia en sus obras los esqueletos humanos a la hora de diseñar sus obras como elementos estéticos y contenedores de vida. Retoma del Gótico la sinceridad estructural, diferenciando la estructura del cerramiento, así las fuerzas se transmiten de forma más natural, substituyendo las estructuras de vigas y pilares, más rígidas, por otras más eficaces inspiradas en la colocación del material y el encauzamiento de las fuerzas hasta el terreno, empleando como principales materiales de construcción el hormigón y el hierro.
El Puente Peatonal del Campo de Volantín se encuentra en Bilbao (foto a la izquierda), sobre la ría del Nervión. También se le conoce como El Zubizuri, que en euskera significa puente blanco, ya que está pintado de blanco, rasgo característico de Calatrava. Consiste en un arco inclinado que une dos plataformas, con rampas de acceso y escaleras en ambas orillas y que sostiene la estructura peatonal con cables de hierro. Otros puentes son el Puente Bac de Roda en Barcelona, La Peineta en Valencia o el Puente Lusitania en Mérida.
http://www.arteespana.com/imagenes/zubizuri.jpg
Aeropuerto de Bilbao Calatrava también dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el hormigón y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el vuelo. Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el nombre de La Paloma. La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.
http://www.escapadasultimahora.net/wp-content/uploads/aeropuerto-bilbao.jpg
Torre de Montjuïc Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc, Barcelona. Está realizada en acero blanqueado con forma de antorcha olímpica. Sus 120 metros de altura la convierten en el elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.
http://www.escaire.com/ca/img/noticies/extres/585_obelisco07.jpg
SANTIAGO CALATRAVA Dentro de panoramo español, uno de los practicantes del Neo Expresionismo es el arquitecto Santiago Calatrava, que prácticamente encarna el ideal Renacentista de arquitecto, ingeniero y artista a la vez. Su formación profesional es impecable: asistió a la escuela de Artes y Oficios de Valencia desde los ocho años, después de secundaria entró a la escuela de Bellas Artes de París, estudió arquitectura en Valencia, y obtuvo su doctorado en ingeniería en el instituto de Tecnología Federal de Suiza. Irónicamente, su mayor inspiración es Le Corbusier (anexo 12), en vez de sus predecesores expresionistas. Es famoso por sus conceptos orgánicos y aerodinámicos, muchas veces inspirados en sus estudios de la figura humana y sus propias esculturas. Santiago Calatrava Valls esta considerado como uno de los arquitectos de mayor renombre de las últimas décadas. Calatrava concibe cada proyecto como una obra viva relacionada entre cada una de las partes que lo componen, por lo que se ha llegado a comparar su obra con la de Frank Lloyd Wright o Antoni Gaudi. Adquieren una gran importancia en sus obras los esqueletos humanos a la hora de diseñar sus obras como elementos estéticos y contenedores de vida. Retoma del Gótico la sinceridad estructural, diferenciando la estructura del cerramiento, así las fuerzas se transmiten de forma más natural, substituyendo las estructuras de vigas y pilares, más rígidas, por otras más eficaces inspiradas en la colocación del material y el encauzamiento de las fuerzas hasta el terreno, empleando como principales materiales de construcción el hormigón y el hierro.
La Estación de Ferrocarril de Stadelhofen (1983-1990) La construyó en colaboración con Arnold Amsler y Wener Rüeger. Los elementos más significativos de la obra son el paseo-mirador, la marquesina de las vías y la galería comercial subterránea, que se encuentra bajo las vías.
Exposición Universal de Sevilla ´92 Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava levantó el Puente del Alamillo. Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que parten los tirantes que sujetan la plataforma. En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo.
http://www.arqhys.com/arquitectura/Puente-Alamillo.jpg
El Puente Peatonal del Campo de Volantín se encuentra en Bilbao (foto a la izquierda), sobre la ría del Nervión. También se le conoce como El Zubizuri, que en euskera significa puente blanco, ya que está pintado de blanco, rasgo característico de Calatrava. Consiste en un arco inclinado que une dos plataformas, con rampas de acceso y escaleras en ambas orillas y que sostiene la estructura peatonal con cables de hierro. Otros puentes son el Puente Bac de Roda en Barcelona, La Peineta en Valencia o el Puente Lusitania en Mérida.
http://www.arteespana.com/imagenes/zubizuri.jpg
Aeropuerto de Bilbao Calatrava también dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el hormigón y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el vuelo. Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el nombre de La Paloma. La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.
http://www.escapadasultimahora.net/wp-content/uploads/aeropuerto-bilbao.jpg
Torre de Montjuïc Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc, Barcelona. Está realizada en acero blanqueado con forma de antorcha olímpica. Sus 120 metros de altura la convierten en el elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.
http://www.escaire.com/ca/img/noticies/extres/585_obelisco07.jpg
Arquitectura Expresionista Urbana Actual
HACIA LA ABSTRACCIÓN...
Edificio Nationale Nederlanden Está emplazada en Praga y se le llama también la casa danzante. A pesar de ser un edificio deconstructivista y el único en su género en el entorno, se integra perfectamente con los edificios circundantes. Está formado por dos torres, una cilíndrica y otra de cristal de forma ahusada. Las ventanas están escalonadas y se potencia este efecto a través de unas líneas curvas a lo ancho de la fachada. Está enlucido de forma similar a los edificios circundantes. El edificio alberga oficinas, restaurantes y locales comerciales. Este edificio es también conocido como Fred y Ginger, porque la combinación de líneas curvas y rectas recuerda a una pareja de bailarines, evoca la falda de Ginger Rogers enredándose entre los pantalones de Fred Astaire. Este edificio pretende de alguna manera celebrar la integración de la República Checa en la Europa capitalista tras largos años de dominio soviético.
FRANK O. GEHRY Frank Owen Goldberd, apellido que cambió posteriormente por Gehry, nació en Toronto el 28 de febrero de 1929 en el seno de una familia judía. En 1947 se mudó a Los Angeles, adoptando la nacionalidad estadounidense. En 1954 se graduó en arquitectura. Más tarde, en 1961, se mudó con su familia a París, ciudad en la que trabajó en el estudio de André Rémonder y tuvo la oportunidad de estudiar en profundidad a Le Corbusier y otros arquitectos europeos. Posteriormente, a su regreso a Los Angeles, abrió su propio despacho, Gehry Partners, en el que trabaja actualmente junto a sus dos socios Jamos Glymph y Randy Jefferson. Ha obtenido numerosos premios y reconocimientos en el mundo de la arquitectura a lo largo de su carrera. Generalidades de su obra Gehry concibe la arquitectura como un arte y enfatiza el sentido de escultura de los edificios. Su obra es muy personal, ya que sus edificios de caracterizan por líneas curvas y ángulos no rectos, carecen por casi completo de líneas rectas y dan la apariencia de transgredir los principios fundamentales de la arquitectura con sus estructuras torcidas. Tienden a dar la sensación de caos. Además, Gehry no concibe los edificios desde el punto de vista meramente funcional sino que además cumplen con una labor estética y ornamental. Las estructuras de los edificios quedan prácticamente recubiertas en su totalidad por materiales cuya única función es ornamental tanto una arquitectura cuyas principales características se contraponen a la corriente racionalista que promulga la pureza de formas, la funcionalidad de los elementos constructivos y la desnudez de los materiales y en la que hallamos las características propias del expresionismo derivado hacia la abstracción en sus formas. Gehry piensa en sus edificios como un conjunto de volúmenes que deben resolver un problema en un entorno dado. Para Gehry es muy importante el entorno donde se ubica el edificio. Tanto los edificios circundantes, como los elementos naturales y culturales son factores que influyen de manera contundente en la creación de la obra de Gehry. Una característica constante en la obra de Gehry a partir de la década de los 90 son los paños plegados. En un viaje a Dijon, visitó unas esculturas del escultor holandés del siglo XIV Sluter: los monjes dolientes de la tumba de Felipe el Atrevido. Estas esculturas le cautivaron por su expresividad, que para Gehry venía marcada por los pliegues de los paños de sus ropas. Al regresar a Los Angeles mandó comprar terciopelo rojo que impregnó con cera y experimentó con múltiples plegados intentando reproducir de alguna manera lo que había visto en Dijon. Por aquella época Gehry se encontraba trabajando en la residencia Lewis, un multimillonario que le había encargado el diseño de su casa. Gehry introdujo aquellos paños en la maqueta de la casa. Cada una esas formas de paño plegado formaba una habitación a la que llamaba centinela, estableciendo un paralelismo entre el concepto de habitación y de aquellas figuras que guardaban el alma de un tumba. Maqueta en el estudio de Santa Mónica Posteriormente, incluyó también esta técnica en la figura llamada cabeza de caballo que se encuentra en el vestíbulo del DZ Bank en Berlín Proceso creativo Cuando Frank O. Gehry recibe un encargo, en su despacho se sigue el siguiente proceso creativo: La primera fase consiste en un estudio exhaustivo del terreno y el entorno desde todos los puntos de vista. A raíz del estudio del terreno, debe surg ir la idea que se plasmará en una primera fase en volúmenes de diferentes colores dependiendo de su funcionalidad y colocados en una determinada disposición. A partir de este conjunto de volúmenes, Gehry concibe la idea del edificio plasmándola en unos croquis. Basándose en estos croquis se crean maquetas, el proceso de depuración de la idea original se hace trabajando sobre las maquetas. Paralelamente se hacen los planos de estas maquetas que permiten estudiar la relación entre los volúmenes y ocupación del terreno e ir corrigiendo en caso necesario. El programa utilizado en el despacho es CATIA porque permite crear superficies curvadas de todo tipo. Sin embargo, Gehry no usa los ordenadores porque él dice que secan las ideas, ya que lo que el ve en el ordenador es como una versión “seca” de lo que tiene en su cabeza. Una vez que la maqueta está terminada al 100 % se hace un escáner con láser que permitirá realizar los planos finales.
Museo Guggenheim Bilbao Es su obra más reconocida. Se inauguró en 1997. El edificio recuerda a una embarcación con sus velas desplegadas al viento. La elección de esta forma viene determinada por el entorno en el que se halla el museo. Bilbao es una ciudad de tradición naval donde los barcos eran construidos con casco de acero. El edificio del Guggenheim rinde homenaje a estas tradiciones. La fachada, recubierta con placas de titanio recuerda al acero que ha sido motor de la economía de la ciudad durante muchos años. De esta forma, el edificio, tanto por sus formas como sus materiales se integra perfectamente en el entorno y en la cultura y tradición del lugar donde se ubica. Arriba, vista general del Guggenheim sobre la ría de Bilbao.
http://images.google.es/imgres?imgurl=http://liv14.files.wordpress.com/2009/03/guggenheim-bilbao-jan05.jpg&imgrefurl=http://liv14.wordpress.com/&usg=__HpElmoT13GANgZk7I3HPRpC0E1g=&h=608&w=1200&sz=158&hl=es&start=1&um=1&tbnid=dfrRGuhCPVRw9M:&tbnh=76&tbnw=150&prev=/images%3Fq%3Dguggenheim%26hl%3Des%26rls%3Dcom.microsoft:*%26sa%3DN%26um%3D1
Auditorio Walt Disney Está emplazado en Los Angeles. Su comienzo fue anterior al del Guggenheim, pero debido a etapas de falta de recursos y liderazgo durante su construcción, coincidiendo con la etapa de desarrollo del Guggenheim de Bilbao, su construcción sufrió importantes retrasos. El éxito de Bilbao dinamizó el proyecto del auditorio consiguiendo que se inaugurara finalmente en otoño del 2003. El exterior del edificio recuerda mucho al Guggenheim tanto por su recubrimiento metálico como por la forma, que también recuerda a un barco. El acceso se hace a través de una escalinata de inspiración románica que lleva a la explanada de entrada donde la fachada tiene formas de velas desplegadas que invitan a entrar al visitante. El interior, las estructuras sustentantes están recubiertas de madera evocando un bosque. La sala del auditorio está también recubierta de madera y recuerda al casco de madera de un velero. La etapa de construcción del auditorio coincidió con la etapa de construcción de la residencia Lewis, en la que experimentó con los paños.
Edificio Nationale Nederlanden Está emplazada en Praga y se le llama también la casa danzante. A pesar de ser un edificio deconstructivista y el único en su género en el entorno, se integra perfectamente con los edificios circundantes. Está formado por dos torres, una cilíndrica y otra de cristal de forma ahusada. Las ventanas están escalonadas y se potencia este efecto a través de unas líneas curvas a lo ancho de la fachada. Está enlucido de forma similar a los edificios circundantes. El edificio alberga oficinas, restaurantes y locales comerciales. Este edificio es también conocido como Fred y Ginger, porque la combinación de líneas curvas y rectas recuerda a una pareja de bailarines, evoca la falda de Ginger Rogers enredándose entre los pantalones de Fred Astaire. Este edificio pretende de alguna manera celebrar la integración de la República Checa en la Europa capitalista tras largos años de dominio soviético.
http://www.guggenheim-bilbao.es/uploads/agenda_presentaciones/img/md/frank_ghery_praga_4.jpg
Casa de Santa Mónica Es una de sus primeras obras conocidas. Se trata de su propia residencia. La construyó alrededor de una casa ya existente. Pretende dar la impresión de dos estructuras independientes pero conectadas. Tiene el aspecto de una casa en obras, de algo inacabado, y de hecho es una casa que ha ido cambiando y evolucionando desde su construcción.
http://weburbanist.com/wp-content/uploads/2008/02/frank-gehry-deconstructivist-house-santa-monica.jpg
Edificio DK Bank El edificio se encuentra en Berlín formando parte del conjunto que se halla en los alrededores de la puerta de Brandenburgo. Alberga la sede del banco DZ Bank, espacios comerciales, viviendas y salas de conferencias. Lo más llamativo del edificio es el hall, donde bajo una cúpula acristalada se ubica la cabeza de caballo con interior de madera y recubrimiento externo de metal. Esta estructura contiene una sala de congresos, desde fuera el cráneo del caballo hace pensar en la actividad cerebral del interior, y desde dentro es como si se formara parte de esa actividad.
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a6/DG_Bank_Interior%2C_Berlin.jpg
Casa de Santa Mónica Es una de sus primeras obras conocidas. Se trata de su propia residencia. La construyó alrededor de una casa ya existente. Pretende dar la impresión de dos estructuras independientes pero conectadas. Tiene el aspecto de una casa en obras, de algo inacabado, y de hecho es una casa que ha ido cambiando y evolucionando desde su construcción.
http://weburbanist.com/wp-content/uploads/2008/02/frank-gehry-deconstructivist-house-santa-monica.jpg
Edificio DK Bank El edificio se encuentra en Berlín formando parte del conjunto que se halla en los alrededores de la puerta de Brandenburgo. Alberga la sede del banco DZ Bank, espacios comerciales, viviendas y salas de conferencias. Lo más llamativo del edificio es el hall, donde bajo una cúpula acristalada se ubica la cabeza de caballo con interior de madera y recubrimiento externo de metal. Esta estructura contiene una sala de congresos, desde fuera el cráneo del caballo hace pensar en la actividad cerebral del interior, y desde dentro es como si se formara parte de esa actividad.
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a6/DG_Bank_Interior%2C_Berlin.jpg
Arquitectura Expresionista IV
PRINCIPALES REPRESENTANTES ESPAÑOLES
VICTOR EUSA El arquitecto Víctor Eusa, nacido en Pamplona en 1894, es la figura central de la arquitectura en Navarra durante la mayor parte del siglo XX. Desde 1920, año en que termina sus estudios en Madrid, hasta bien entrados los setenta, cerca de un millar de obras y proyectos salidos de su mano dejaron su impronta en Navarra, región que concentra la mayor parte de su producción, con esporádicas actuaciones en provincias limítrofes como Guipúzcoa, Vizcaya y Zaragoza. Su periodo activo coincide con el de la construcción del II Ensanche de Pamplona. Sus obras son auténticos hitos urbanos que caracterizan el Ensanche, hasta el punto de que ha sido posible establecer una identificación entre Eusa y la ciudad (la entonces existente). Eusa recibe sucesivas influencias que se plasmarán en sus primeros años de profesión: sus viajes por Europa y Oriente, Otto Wagner y la “Sezession” Vienesa, el Art-Déco y la Exposición de París de 1925, Dudok y la arquitectura holandesa, etc. Todo ello fructifica en una arquitectura expresionista muy personal, que maneja el ladrillo y el hormigón como sus materiales preferidos, llega a su madurez a finales de los años veinte y se prolonga hasta la guerra civil. En este periodo se concentran sus obras más conocidas: Casa de Misericordia, Iglesia de los Paúles, Colegio de Escolapios, Seminario, Casino Eslava, …
Casino Eslava, PamplonaArquitectura Expresionista III
PRINCIPALES REPRESENTANTES
Los principales arquitectos expresionistas europeos de principio del siglo XX fueron: Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.
BRUNO TAUT (Könisberg, 1880- Ankara, 1935) resume a la perfección el momento que atraviesa la arquitectura alemana en sus primeras obras como el pabellón de la Exposición de la Industria Siderúrgica, celebrada en Leipzig en 1913, y el pabellón de Cristal de la de Colonia de 1914 . El vidrio es para Taut el símbolo de la paz y de la cooperación entre los pueblos, y de esa convicción surgen sus escritos y proyectos, en los que se unen la arquitectura del vidrio y la del color. Estas teorías se hacen realidad, de forma parcial, cuando es nombrado arquitecto de Magdeburgo en 1921, donde proyecta en colaboración con sus habitantes, la reforma del Siedlung y construye casas pintadas por sus moradores con vivos colores. Más tarde, en Berlín, sigue en esa línea con su contribución en Britz y en Berlín- Zehlendorf. Bruno Taut publica en 1920 el libro Der Welbaumister (El constructor del mundo), en el que a través de cuarenta grabados desarrolla el espectáculo arquitectónico que tiene sus inicios en una catedral gótica que se destruye, entre cuyos restos surgen la tierra, la sociedad, una casa y un palacio de cristal multicolor. Taut apunta temas que se desarrollarán ampliamente con el movimiento moderno, como son los de la vivienda, los monumentos urbanos y la forma de la ciudad.
BRUNO TAUT (Könisberg, 1880- Ankara, 1935) resume a la perfección el momento que atraviesa la arquitectura alemana en sus primeras obras como el pabellón de la Exposición de la Industria Siderúrgica, celebrada en Leipzig en 1913, y el pabellón de Cristal de la de Colonia de 1914 . El vidrio es para Taut el símbolo de la paz y de la cooperación entre los pueblos, y de esa convicción surgen sus escritos y proyectos, en los que se unen la arquitectura del vidrio y la del color. Estas teorías se hacen realidad, de forma parcial, cuando es nombrado arquitecto de Magdeburgo en 1921, donde proyecta en colaboración con sus habitantes, la reforma del Siedlung y construye casas pintadas por sus moradores con vivos colores. Más tarde, en Berlín, sigue en esa línea con su contribución en Britz y en Berlín- Zehlendorf. Bruno Taut publica en 1920 el libro Der Welbaumister (El constructor del mundo), en el que a través de cuarenta grabados desarrolla el espectáculo arquitectónico que tiene sus inicios en una catedral gótica que se destruye, entre cuyos restos surgen la tierra, la sociedad, una casa y un palacio de cristal multicolor. Taut apunta temas que se desarrollarán ampliamente con el movimiento moderno, como son los de la vivienda, los monumentos urbanos y la forma de la ciudad.
El grupo formado alrededor de Taut en 1919 se compone de arquitectospintores que no llegan a realizar obra alguna, como Paul Gösch, Wenzel-August Hablick y Hermann Finsterlin, pero también de otros que con el tiempo llevan a cabo importantes proyectos, como en el caso de Hans Scharoun, encargado de la reconstrucción de la ciudad de Berlín. En la misma línea se han de considerar los proyectos de rascacielos de vidrio de Mies van der Rohe de 1922 y las realizaciones de Hans Poelzig (1869-1936), entre las que destaca el Grosses Schauspielhaus (Berlín, 1919), teatro que se construye sobre el antiguo edificio del circo Schumann –del cual se aprovechan algunos espacios-, encargado por Max Reinhardt, propietario de una cadena de teatros privados. Es una obra monumental, con un interior lleno de fantasía e ilusiones espaciales en donde todo el efecto expresionista proviene del techo, coronado por una cúpula con estalactitas de madera y yeso que se iluminan. En los años treinta, los nazis transforman el conjunto en una obra más clásica.
ERICH MENDELSOHN (Allenstein, Prusia, 1887-San Francisco, 1953) es una de las figuras clave del movimiento por su profesionalidad y su capacidad de síntesis. Inicia sus estudios de arquitectura en Berlín y los finaliza en Munich en 1912, donde en los siguientes años realiza principalmente diseños de escenografías para teatro. Hasta 1919 presenta en varios concursos proyectos que se pueden calificar de utópicos. Una de sus obras, la torre Einstein de Potsdam (anexo 6), está considerada como el primer monumento de la República de Weimar. Se trata de un observatorio destinado al análisis espectrográfico de la luz solar, para investigar y confirmar la teoría de la relatividad. Para la realización de este proyecto, en el que ya piensa desde 1914, entra en contacto con el profesor Erwin Finley-Freundlich, asistente de Einstein entre los años 1917 y 1921. El observatorio se concibe como una unidad orgánica, como un continuum dinámico cuyas partes se interpenetran y los límites y las compartimentaciones tienden a borrarse. Es una construcción funcional, de plástica semejante a una escultura por sus formas libres y curvadas, y que puede relacionarse por el Barroco por su estructuración a base de triángulos partidos. Es una de las obras clave del expresionismo. Otras obras de este arquitecto son los almacenes Schocken de Stuttgart, los de Chemnitz, y el cine Universum; con ellas se sitúa en el límite del racionalismo. En 1933 se traslada a Inglaterra, y hasta 1939 alterna sus estancias entre Londres y Palestina. En 1941 se instala en Estados Unidos, donde en ese mismo año se lleva a cabo una exposición de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y es elegido miembro del American Institute of Architecture. Auque hasta 1946 no recibe encargos, realiza a partir de entonces diversos proyectos, entre otros, el hospital Maimónides y la casa Russel en San Francisco (1948), y algunos centros comunitarios.
Arquitectura Expresionista II
DESAROLLO
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y un programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad. Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal (1914) de Paul Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad y defiende la sustitución del ladrillo por el cristal. Vemos así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914, de Bruno Taut, autor que también plasmó su ideario por escrito (Arquitectura alpina, 1919). La arquitectura expresionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund , Arbeitsrat für Kunst , Der Ring y Neues Bauen vinculado este último a la Nueva Objetividad; también cabe destacar la Escuela de Amsterdam.
Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner, Dornach.Arquitectura Expresionista
CONTEXTO SOCIAL EUROPEO
La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo. El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones vanguardistas en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca entre 1910 y 1924. Posteriormente, se aceptó que la arquitectura expresionista también abarcaba obras desde el año 1905, y no solamente de esos países, sino también del resto de Europa. Hoy en Vista de la fachada occidental de la iglesia de Grundtvig en Dinamarca, uno de los pocos ejemplos de iglesia expresionista día,el sentido del término se considera válido para la arquitectura que con independencia del lugar de procedencia y la época de construcción, cumple con una serie de características como la distorsión, la fragmentación, o la manifestación de una emoción violenta. Este estilo tuvo amplias similitudes con lo que hoy podríamos llamar premodernismo, tanto en el uso de nuevos materiales, como en la innovación formal, suscitada en ocasiones por el uso de formas biomórficas, o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el acero, o el vidrio.
Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución alemana de 1919, desembocaron en perspectivas utópicas, y un programa socialista romántico. Las condiciones económicas dieron lugar a una limitación en el número de construcciones entre 1914 y mediados de los años 20, cuyo resultado fue que muchas importantes obras expresionistas se quedaron en el papel, como la Architecture Alpine de Bruno Taut, o el Formspiels de Hermann Finsterlin. Los edificios destinados a exhibiciones fueron numerosos, alcanzando una cifra significativa durante este periodo. La escenografía para el teatro y el cine, fue otra gran fuente de imaginación expresionista. La arquitectura expresionista ha estado marcada por importantes eventos, como la exposición del Deutscher Werkbund en Colonia, en el año 1914, la programación teatral de la Großes Schauspielhaus, o las actividades de la Escuela de Amsterdam. La Torre Einstein, de Erich Mendelsohn, ubicada en Potsdam, es el icono de la arquitectura expresionista. Desde 1925, la mayoría de las principales figuras de la arquitectura expresionista como Bruno Taut, Hans Poelzig o el propio Erich Mendelsohn, dieron un giro hacia la Nueva objetividad (Neue Sachlichkeit) , una visión más práctica y pragmática que huía de la agitación emocional del expresionismo. Sin embargo, todavía ciertos arquitectos como Hans Scharoun, permanecieron trabajando en un lenguaje expresionista. No hay que confundir la arquitectura expresionista con un movimiento moderno. La arquitectura expresionista se dió al mismo tiempo, pero de manera más sutil. Y debido a lo sencillo que era este movimiento moderno, tomó mucha más fuerza, y con el paso de los años hizo que lo romántico y subrealista quedara en un plano prácticamente desconocido. Pero muchísimo más interesante que lo simple del movimiento moderno.
CARACTERISTICAS
A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente de dogmas, se pueden establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay, también se pueden ver aspectos comunes:
Distorsión de las formas para suscitar la emoción.
Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a la experiencia interior.
Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.
Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración y representación del concepto más profunda que la construcción misma. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto.
Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el modernismo.
Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el modernismo.
Uso del potencial creativo del artesano.
Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.
Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el empleo de influencias de culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la India, o las arquitecturas romana o griega.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)